Por Francisco Franetovic y Javier Santiller

En los setenta, no sólo hubo golpes de Estado, guerra fría, socialismo, capitalismo y disoluciones varias. También hubo punk, glam y folk. En tanto que el mundo musical se dividía en tres: Nueva York, Londres y el resto del mundo.

Así, continúa la cruzada iniciada por Francisco Campos, consistente en elegir, de la manera más sádica posible, los mejores discos de una década.

J.S: Bastante barsa es creer que uno puede dar una lista de los discos más influyentes o mejores o peores u otra vaina cualquiera. Pero yo soy barsa. Lo suficiente como para creerme capaz de hacer una lista de los discos que yo creo mejores, en una época que ni siquiera viví, pero que gracias a la libertad de expresión que da internet (y disorder) puedo expresar en las siguientes líneas.

La lista no tiene un orden estricto (es arbitrario y no representa jerarquización alguna), es de carácter irrefutable (pues fue entregada por Dios vía hipnosis) y va como sigue:

1.- Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols – Sex Pistols (1977)
Rabia, nihilismo, agresividad, apatía, Johnny Rotten y Sid Vicious. La mezcla perfecta para realizar el único álbum de esta banda y el disco punk por antonomasia. A diferencia de otras bandas consagradas en este año como los Ramones o los Clash, los Sex Pistols eran rabia desatada como nada que se hubiese mostrado antes en la música. No tenían melodías pegajosas o un pensamiento político que quisieran reflejar, sólo rabia y mucha, pero mucha energía. Clave en el álbum es el tema “Anarchy in the U.K.”, el tema más popular, por decirlo de algún modo, de la banda y que se transformaría en una declaración de anti-principios que hasta hoy en día acarrea la cultura del rock & roll en general. Uno de los discos más influyentes en la historia del rock & roll.

2.- All Mod Cons – The Jam (1978)
Paul Weller fue bautizado ridículamente como The Modfather, por eso que los british llaman mods (los Libertines dicen “Poor kids dressing like they’re rich. Mods!”, en “Campaign Of Hate”). Y ojo que el titulo del disco no tiene nada que ver con mods, sino que es una bloody abreviación de all modern conveniences, brother. The Jam, más allá de la chachara de los mods, punks y hippies, convulsionó la isla gracias a una relectura de ellos mismo, el punk y los Kinks. De hecho, versionan “David Watts”, popularizándola aún más que la original. “All Mod Cons” marca el punto de inflexión entre su etapa novata y la posterior maduración de un compositor que, a través de sus canciones lograba retratar la época como pocos.

3.- The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars – David Bowie (1972)
Es difícil elegir un disco de Bowie en esta época. Están “The man who sold the world”, “Aladdin Sane” y la trilogía de Berlín que produjo con Brian Eno (“Low”, “Heroes” y “Lodger”), que son discos tremendamente importantes. Pero a mí gusto, “The Rise…” es el que refleja la evolución musical de Bowie, donde arma un personaje y pasa a convertirse en un mito. El disco es sobre un marciano, Ziggy Stardust, que llega a la tierra para salvarla, pero víctima del alcohol y las drogas, termina destruyéndose. Desde el vaticinio del fin del mundo en “Five Years” hasta el colapso de Ziggy en “Rock and Roll Suicide”, pasando por “Starman”, “Moonage Daydream” y “Ziggy Stardust”, cada tema se ve construido cuidadosamente y como siempre, Bowie se sabe reunir con grandes músicos como en este caso Mick Ronson en guitarra y Tony Visconti en bajo. Como anécdota, Bowe quedó tan rayado con el personaje de Ziggy que en un momento se empezó a cuestionar su sanidad mental, ya que Ziggy era el que daba las entrevistas, cantaba en los conciertos, etc.

4.- London Calling – The Clash (1979)
“London Calling”, junto a “Nevermind The Bollocks”, “Ramones”, “The Undertones”, “Love Bites” (de Buzzcocks) y “L.A.M.F” (de Johnny Thunders & The Heartbreakers) deben ser los primeros discos en los que pienso cuando me dicen punk. La gracia de “London Calling” es que fue un poco más allá. Con la actitud más punk de todas, mandó a la mierda el prejuicio musical y se dedicó a juguetear con el rockabilly, el reggae, el ska (en The Clash ya se notaba con la inclusión de “Police & Thieves”, original de Junior Murvin) y el vil pop. Esa música para maricas que bailan. El resultado fue uno de los discos más influyentes de la historia. Un grandes éxitos sin linea de tiempo que involucra por primera vez a Paul Simonon en la composición de “The Guns Of Brixton”, tal vez la canción más versionada de The Clash. Así, Joe Strummer y Mick Jones se consolidaron como uno de los dúos creativos más recordados. Tal como Oliver Atom y Tom Nisaki, Leoncio y Triston o McCartney y Lennon.

5.- El Derecho de Vivir en Paz – Victor Jara (1971)
Si se pudiese hacer una equivalencia, el tema “El Derecho de Vivir en Paz” vendría a ser a Chile lo que “Imagine” de Lennon es para los gringos. Claro que en guitarra y con más mensaje político de por medio. “El Derecho de Vivir en Paz” es el disco que refleja el momento histórico que vivía nuestro país en ese momento, desde el lado más idealista del pueblo. Victor Jara logra la mezcla perfecta entre el folklore chileno y guitarras eléctricas en el tema homónimo y antes mencionado, relata historias de injusticias sociales y le muestra sus respetos a la Brigada Ramona Parra. Independiente del color político al que uno se sienta reflejado, este disco esta colmado de grandes melodías y la voz del cantante más conocido de Chile a través del mundo, logra una armonía perfecta con su guitarra de palo que a todas partes acarreaba y que ya es parte su mito.

6.- The Slider – T. Rex (1972)
Es curioso, pero T. Rex pareciera no estar en el lugar histórico que le corresponde dentro de la música. Tal vez por la prematura muerte de Marc Bolan, a bordo de un Austin Mini. Con todo, “The Slider” puede ser el disco ideal para una primera aproximación a su nutrida discografía (ocho discos en siete años, como T. Rex, más cuatro de la época en que Tyrannosaurus Rex era sólo un dúo) y para un movimiento que influenció en gran parte la década que estaba por venir: el glam. Es más, mis amigos de antro de cerveza Escudo no serían nada sin Slash, y Slash no sería nadie sin Marc Bolan. El egocéntrico cabecilla, amigo de Bowie, Elton John y las ideas inconexas. Un incomprendido que, como muy pocos, ha logrado que otro petulante, como es Noel Gallagher, lo recuerde descaradamente en “Cigarettes & Alcohol” y lo declare como un compositor indispensable. “Metal Guru”, “Telegram Sam”, “Baby Strange” y “Main Man” así lo sugieren. Yo también.

7.- Raw Power – Iggy & The Stooges (1973)
Recuerdo la primera vez que escuché este disco, con un poco de incertidumbre, ya que no conocía mucho de los Stooges, pero me lo habían recomendado mucho. Primer tema, “Search & Destroy”. Al terminar tuve que ponerlo de nuevo, y luego otra vez. Qué manera de empezar un disco. Luego, “Gimme Danger”, como para hacerte dudar del estilo de música a la que apostabas, mucho más lenta y con guitarra acústica incluida. Pero luego viene “Your pretty face is going to hell”, que te devuelve toda la energía de un comienzo y así pasa también con “Penetration” y especialmente con “Raw Power” canción que le da nombre al disco. Nuevamente volvemos a un tema “lento”, “I need somebody”, que deja claro que Iggy no es sólo energía desencadenada, para luego volver a las raíces Stooges con “Shake Appeal” y “Death Trip”. Una verdadera montaña rusa de sonidos, que en forma conjunta fluyen a la perfección.

8.- All things Must Pass – George Harrison (1970)
George Harrison siempre estuvo relegado a la banca creativa en los Beatles. Y claro, estaban McCartney y Lennon y, como dijo alguna vez Alvaro Henriquez, en la música no existe democracia: Tres son multitud. Con “All Things Must Pass” se desquita y lanza el primer disco triple de la historia. Basta un acorde para identificar la slide guitar de Harrison, herencia de su amistad con Ravi Shankar. Bob Dylan también jugó un papel fundamental en este disco: compuso junto a Harrison “I’d Have You Anytime”, “If Not For You” es original de su, en ese entonces, recién lanzado disco “New Morning” y “Behind That Locked Door” fue escrita para él. Canciones tan notables como “Isn’t It a Pity” (dándole la pauta a grupos como Coldplay), “I Live For You” y “Beware of Darkness” hacen de este disco, pese a las críticas por plagio que recibió su single más conocido, “My Sweet Lord” (cosa de escuchar “He’s So Fine” de The Chiffons), uno de los mejores discos de la historia.

9.- Who’s Next – The Who (1971)
Luego del aclamado y controversial disco “Tommy”, un álbum conceptual sobre un niño incapacitado con complejos de mesías, Pete Townshend empieza un proceso de reflexión en volá’ mística, y empieza a confeccionar un disco que nunca sería lanzado como tal, “Lifehouse”, que incluiría película e internarse en un teatro durante semanas junto a fans para lograr un estado nirvanesco a través de la música. Resultado: nadie entendía un carajo de lo que quería Townshend, por lo que frustrado casi llega a cometer suicidio. Luego de esto el grupo decide grabar temas que no se guiasen por un tema en particular, con algunos temas ya terminados del fracasado proyecto. El resultado de tantas penurias es “Who’s Next”, un disco mucho más cuidado tema por tema que el resto de los discos anteriores de esta banda, con mayor presencia de sintetizadores y con un Keith Moon en batería en estado de éxtasis, sendos riffs de bajo de John Entwistle, Roger Daltrey cantando como sólo él sabe y Pete Townshend una vez más desarrollando su creatividad y su furibunda forma de tocar guitarra.

10.- Transformer – Lou Reed (1972)
The Velvet Underground se acabó (momentáneamente) y Lou Reed, al igual que Harrison, McCartney y Lennon, decidió intentarlo en solitario. Su debut, “Lou Reed” (que, en rigor, sólo recopilaba descartes de Loaded), no fue del todo exitoso. Así es que solo unos cuantos meses después -y de la mano de David Bowie y Mick Ronson-, Reed debutó como solista propiamente tal. Prueba de ello es que los hits del disco (“Walk on the Wild Side”, “Sattelite Of Love” y “Perfect Day”) difícilmente podrían encajar en algún disco junto a sus ex-compañeros. La mano de Bowie se hace evidente en “Hangin’ Round”, fiel al glam que practicaba religiosamente en esa época, junto a T. Rex. La influencia de “Transformer” es tan transversal que, tres décadas después, A Tribe Called Quest agarró la base rítmica de “Walk on the Wild Side” para transformarla en el hit rapero “Can I Kick It”. Yes, you can.

11.- Aguaturbia – Aguaturbia (1970)
El primer disco del grupo más sicodélico que ha tenido este país, lanza su carrera con un disco que llama la atención de la prensa más que por su música, por atreverse a posar desnudos en la carátula de este, en una sociedad abiertamente cartucha. Desnudos aparte, este disco logra meterse a través de todo el fenómeno de la Nueva Ola y salir más que airoso, con un sonido esencialmente bluesero, letras en inglés y con reminisencias a Hendrix, Joplin y The Doors. Logrando muchos adeptos y consolidándose como una banda de músicos notables, destacan principalmente Denise en la voz y Carlos Corales en guitarra, dupla que se afiataría tanto que se convertirían en pareja. El disco se grabó en apenas 3 días y el sonido es de los instrumentos en directo salvo un par de temas, esto se nota en que el disco tiene un sonido muy crudo. Destacan de este disco los temas “I Wonder Who”, “Aguaturbia”, que es el único tema en español en donde mezclan el blues con el floklore chileno popularizado por Violeta Parra y el cover de Jefferson Airplane, “Somebody to Love” donde cambia radicalmente el sonido de los instrumentos en comparación del tema original.

12.- Sticky Fingers – Rolling Stones (1971)
En los 60′s nacía, en gran parte gracias a los discos de Bob Dylan y al “Sgt. Peppers” de los Beatles, el concepto de que un álbum va más allá de las canciones. Debe haber una preocupación por el título, la tapa, la contratapa, etc. Este disco de los Stones refleja fielmente lo que eso significa. La carátula es una imagen de Warhol, donde aparece una cremallera de un jean, que en la caja del vinilo se podía bajar y subir a gusto (muy al estilo del platano en “The Velvet Underground & Nico”). En España, por ejemplo, el disco no pudo entrar con esta carátula, por lo que el sello la cambió a una con una lata de comida abierta de donde salen unos dedos ensangrentados. Quién habrá entendido a Franco. Pero no es sólo eso. Este es uno de los pocos, sino el único, que no tiene un tema tan reconocido por las masas, salvándose quizá “Wild Horses”, pero por muy poco. Esto es debido a que las canciones se valoran como tal en su conjunto. La bailable “Brown Sugar”, los riffs alusinantes de Keith Richards en “Can’t you Hear me Knocking”, la calma de “Wild Horses” y la alusión a las siempre presentes drogas en la vida de los integrantes (menos Charlie Watts) en “Sister Morphine”, escrita por Marianne Faithfull, cantante de pop y por ese entonces novia de Jagger. Un excelente disco desde la cubierta hasta la contratapa.

13.- Loaded – Velvet Underground (1970)
3 años después del primer disco de la banda, “The Velvet Underground & Nico”, uno de los mejores debuts en la historia de la música, Lou Reed saca el disco más “comercial” de la banda. De hecho,con estas intenciones fue creado, de ser más accesible al público y que se pudiesen tocar en la radio. En la banda ya no estaba John Cale por problemas con Lou Reed, que forman parte de una de las duplas más creativas en el rock & roll. Reed, además, ya se había librado de Andy Warhol y de todo lo que él había impuesto en la banda (Nico incluida) y esto se nota profundamente en este álbum, que con canciones como “Sweet Jane” y “Rock and Roll”, lograría un poco más de atención, en comparación con los discos anteriores, por parte de los medios. Del disco cabe resaltar cómo Reed, con sólo 4 acordes de guitarra, puede generar una canción tan armónica como “Sweet Jane” o hacer una melodía tan sencilla como “New Age” difícil de imitar. Cabe recalcar que este es el último disco de la Velvet con integrantes originales de esta, Lou Reed y Sterling Morrison (Mo Tucker estaba embarazada por lo que no participó en las grabaciones del disco), para dar paso a lo que serían discos sin mayor trascendencia y originalidad creados por Doug Yule, que también participa en “Loaded”.

14.- Marquee Moon – Television (1977)
En la segunda mitad de los 70′s, en el mítico CBGB’s, a su escenario se subían bandas que posteriormente pasarían a la historia, entre ellas los Ramones, Blondie y Talking Heads. Menos conocidos, pero no por eso de menor calidad, vendrían grupos como X, la gran Patti Smith y la banda del mencionado disco: Television ¿Qué hace de este disco merecedor de estar entre los mejores 10 de los 70′s? Todo. Television asimila el punk, le da un par de vueltas y 2 guitarras con un sonido más bien garagero, que se enfrentan entre sí en cada uno de los temas del disco ¿Sonic Youth, Interpol, The Strokes? Difícilmente hubiesen realizado el tipo de música que hacen sin el lanzamiento de este disco. Destacan los temas “See No Evil”, “Marquee Moon” y “Friction”.

15.- Led Zeppelin IV – Led Zeppelin (1971)
Rock & Roll. Esas son las únicas palabras que pueden describir al cuarto y más exitoso disco de los Zeppelin. No creo necesario tener que hablar del virtuosismo de cada uno de los integrantes de la banda, porque son conocidos a la perfección, pero en este disco es donde se le da la real importancia a cada uno de los integrantes como un todo, más allá de sus características individuales. Además, el solo hecho de que contenga “Stairway to Heaven”, el tema que ha inspirado más canciones dentro de otros grupos, es meritorio para que esté en la lista.

16.- Plastic Ono Band - John Lennon – (1970)
17.- Horses – Patti Smith (1975)
18.- Blood on the Tracks – Bob Dylan (1975)
19.- Pink Moon – Nick Drake (1972)
20.- Drum & Wires – XTC (1979)